solange viana notícias sc ltda

Adélia Borges lança livro no museu A CASA

2012-01-23T18:11:00.001-02:00

'Ameaçados..." vc é nosso convidado!

2012-01-23T17:43:00.000-02:00

25º Prêmio Design em destaque!

2012-01-19T16:40:00.001-02:00

"Ameaçados..." próxima exposição do MCB

2012-01-19T13:25:00.003-02:00

Museu da Casa Brasileira apresenta

AMEAÇADOS
lugares em risco no século 21

Exposição de fotos de Érico Hiller

Abertura: 07 de fevereiro, terça-feira, das 19h30 às 22h30

Visitação: de 08 de fevereiro a 25 de março de 2012

Primeira exposição do ano no Museu da Casa Brasileira, instituição da Secretaria de Estado da Cultura, Ameaçados – Lugares em risco no século 21 apresenta 45 imagens inéditas em grandes e médios formatos do fotógrafo Érico Hiller, com registros de cinco locais do planeta que estão mudando drasticamente em decorrência das transformações climáticas e da ação do homem.

O projeto surgiu de pesquisa realizada pelo fotógrafo sobre “paraísos ameaçados”, a partir da qual foram eleitos cinco lugares que correm risco iminente, tanto no que diz respeito ao seu ambiente físico, quanto à sua cultura. O resultado são imagens que buscam sintetizar a tensão ambiental do nosso tempo.

As fotografias revelam, no Ártico, as alterações no estilo de vida devido ao derretimento do manto de gelo groenlandês; na Etiópia, as tribos que podem ter sua cultura impactada pelos novos tempos e a construção de uma hidrelétrica no Vale do Omo; no Brasil, a Mata Atlântica, pressionada pelo crescimento urbano; no monte Kilimanjaro, o derretimento das geleiras e o decorrente impacto no modo de vida da região; por fim, nas Maldivas, a ansiedade em torno do país mais baixo do mundo, e os impactos pelo aumento do nível da água dos oceanos. As fotografias de Érico apresentam, como ponto comum a esses lugares, mudanças nos hábitos, costumes e modos de morar de diferentes culturas, consequência das transformações ambientais do planeta.

Érico relata: “Meu objetivo sempre foi que as fotos que produzo representem um inventário do nosso minguante planeta; daquilo que, infelizmente, pode um dia só existir na memória de poucos – ou pior, apenas numa fotografia esquecida no fundo de uma gaveta. Tomado por este sentimento, entendi recentemente que havia reunido motivos suficientes para percorrer alguns lugares que correm risco de desaparecer – ou, pelo menos, serem profundamente alterados – neste século."

O projeto Ameaçados – Lugares em risco no século 21 resultou também em um livro que será lançado em março no MCB. A publicação de 268 páginas traz a seleção integral das imagens que compõem o projeto.

Patrocínio: Wisewood | Co-patrocínio: Minidocks |Apoio: National Geographic Brasil, Casa de Pedra, Columbia, Terra Mundi, Artfactory e Molducenter

SERVIÇO:

AMEAÇADOS - lugares em risco no século 21 de Érico Hiller

Exposição fotográfica com 45 imagens em grandes e médios formatos

Abertura: 07 de fevereiro, terça-feira, das 19h30 às 22h30, aberta ao público

Visitação: de 08 de fevereiro a 25 de março de 2012

Local: Museu da Casa Brasileira

Horário: de terça a domingo das 10h às 18h

Endereço: Av. Faria Lima, 2705 - Jardim Paulistano Tel. 3032-3727

Ingresso: R$ 4,00 – Estudantes R$ 2,00

Acesso a portadores de deficiência física.

Visitas orientadas: 3032-2564 - agendamento@mcb.org.br

Site: www.mcb.org.br

twitter.com/mcb_org

Estacionamento: de terça a sábado até 30 minutos, grátis; até 2 horas, R$ 10,00, demais horas, R$ 2,00. Domingo e eventos noturnos, preço único de R$ 15,00.

Bicicletário com 20 vagas

Informações para a imprensa Museu da Casa Brasileira

Solange Viana - Coordenadora de Comunicação | comunicacao@mcb.org.br

Com:

Mercedes Guilloux | Assist. de Comunicação | assistcomunicacao@mcb.org.br

Izabelle Prado | Assistente de Comunicação | assist2comunicacao@mcb.org.br

Agora é a hora de experimentar!

2011-12-21T16:14:00.001-02:00

Prêmio Design Museu da Casa Brasileira

convida o público a experimentar os produtos em exposição

instalação | memória | reconhecimento

Termômetro da inovação no design brasileiro, a exposição dos trabalhos premiados na 25ª edição convida a experimentar as peças selecionadas. Até 15 de janeiro de 2012 no Museu da Casa Brasileira, instituição da Secretaria de Estado da Cultura.

Depois do sucesso da festa de entrega do 25º Prêmio Design Museu da Casa Brasileira, realizada no último dia 22 de novembro, agora é a hora de experimentar. Mais de 7 mil pessoas visitaram a exposição que acontece até 15 de janeiro e já é um sucesso. Um marco na história criativa do país.

Considerado termômetro da inovação no design brasileiro, o desafio desta premiação é incentivar a criação e produção do setor dentro de seu papel de destaque na busca de soluções que atendam às necessidades das pessoas, aliado às reflexões sobre questões da atualidade. É uma ótima oportunidade para conhecer o que há de mais recente na área.

Elaborado pela equipe técnica do Museu, o espaço expositivo incorpora a linguagem proposta pelo cartaz vencedor desta edição, que utilizou como meio o papelão, normalmente empregado nas embalagens de produtos. Na exposição, os objetos são apresentados como se fossem recém abertos das caixas, com destaque de luz para os premiados. As salas do Museu foram transformadas em uma espécie de depósito de novidades, com uma apresentação despojada, que permite a experimentação de algumas peças, além de buscar ao máximo mostrá-las em funcionamento.

Alguns destaques

Jogo de xadrez para deficientes visuais – Amanda Iyomasa (menção honrosa

protótipos): No tabuleiro há orifícios para encaixe das peças. As brancas possuem saliências semelhantes ao Braille e as peças escuras são lisas.

EcobagCar – Silvio Silva Junior, Karine Mitsue Kawamura e Guido Lautert Dezordi (menção honrosa

protótipos): é um carrinho de compras, que pode ser facilmente desmontado e carregado no carro. Facilita as compras.

Banco Phillips - Jader Almeida (1º lugar): tem estrutura de aço maciço e assento em MDF. Sua denominação é inspirada no parafuso Phillips, devido sua semelhança à forma. Trata-se de uma releitura bem-humorada dos bancos de piano. Pode ser usado como mesa de apoio.

Stepi – Fernando Guimarães, Enio Coronas, Marcelo Almeida e Eissom Fangueiro (menção honrosa): Com o objetivo de auxiliar no desenvolvimento motor de crianças de 2 a 5 anos, o Stepi não tem pedais. Confeccionado em compensado naval, possui cilindro de alumínio com manoplas de borracha. Projeto minimalista com inteligente desenho de componentes, permite a intercambialidade de peças e facilidade no processo industrial. Acompanha a criança em seu crescimento.

Projeto Sistdista – Luiz Pellanda, Aleverson Ecker, Henrique Serbena e Paulo Dias Batista Junior (menção honrosa): Projeto financiado pela Secretaria da Ciência, Tecnologia e Ensino Superior do Paraná, o sistema modulado e integrado de distribuição de alimentos é destinado para uso inicial da cozinha de grande porte do Pequeno Cotolengo, instituição sem fins lucrativos que abriga pessoas carentes portadoras de deficiências múltiplas. Apresenta uma contribuição efetiva no processo de integração dos deficientes ao meio social, por meio de produtos de baixo custo aliados aos conceitos de design e ergonomia.

Anêmonas de luz (1º lugar Protótipo) Como protótipos têxteis, as anêmonas de luz ficaram com o primeiro lugar. Desenhadas por Tina e Lui (Parceria Ladrilã) e produzidas pelas artesãs do Grupo Ladrilã, adaptam-se a qualquer artefato luminoso que contenha rosca para lâmpadas. O produto traz a plasticidade do tecido de lã feltrado, em equilíbrio original entre o lúdico e o escultural.

Cadeira Iczerol – Guto Indio da Costa, Felipe Rangel e André Lobo (2° lugar): Fabricada a partir do uso de tecnologia que soma a plasticidade do polipropileno à resistência da fibra de vidro coinjetada, a Iczero é 100% reciclável. A partir de uma tipologia formal básica e tradicional, a cadeira enriquece este segmento do mercado, por meio de uma concepção sustentada no conceito de ergonomia pelo seu arco solto, curvo, que envolve e acomoda pela forma leve, esguia e fluida.

Conjunto Café Gourmet Bari (1º lugar Protótipo) Como protótipo, o primeiro classificado foi o conjunto de café Gourmet Bari, com design de Maycon Eduardo Passos de Melo, Esther Michel Chen, Raphael Silveira de Lavor, da Pontifícia Universidade Católica do Paraná, sob orientação de Aguilar Selhorst Junior. Seu sistema misturador na tampa e aeradores duplos permite obter rapidamente leite com espuma mais rica. A fina regulagem no moedor possibilita obter pó para vários tipos de cafeteira. O equipamento não utiliza energia elétrica.

Para saber mais

A crescente importância desse Prêmio, criado e promovido pelo Museu da Casa Brasileira, pode ser observada pelo número recorde de inscritos nos concursos do cartaz (855) e de produtos e trabalhos teóricos (810). A exposição traz, além de um panorama do design nacional, os cartazes que divulgaram o evento ao longo de sua história e também uma instalação interativa com grande parte da memória dos 25 anos de Prêmio.

Os premiados

O Prêmio Design Museu da Casa Brasileira recebe inscrições em oito categorias: equipamentos de construção, eletroeletrônicos, transporte, iluminação, mobiliário, têxteis, utensílios e trabalhos escritos (publicados e não publicados). Um júri formado por reconhecidos nomes do setor avalia os objetos concorrentes a partir dos critérios originalidade, concepção formal, inovação tecnológica, adequação ao mercado, viabilidade industrial, segurança e proteção ambiental.

Na categoria “equipamentos de construção”, o primeiro lugar foi conquistado por Fabio Mauricio Faria Melo, com a ducha advanced eletrônica. Esse produto, segundo observaram os jurados, apresenta notáveis inovações estéticas e funcionais na montagem, no controle de temperatura e na relação entre a bandeja e o corpo de condução da água.

O climatizador Consul bem-estar, da Industrial Design + Innovation Team – Whiripool LAR, Mario Fioretti e equipe, foi premiado com o primeiro lugar na categoria “eletroeletrônicos”. Portátil, associa coerência formal – equilíbrio e continuidade – à funcionalidade e praticidade.

O caminhão Agrale 2012, da Questto Nó (Levi Girardi e equipe) ficou com o primeiro lugar na categoria “transporte”. Na avaliação dos jurados, o projeto indica um grande avanço na concepção formal dentro da própria marca e no contexto do mercado nacional. Sua produção é totalmente racionalizada.

Também na categoria “transportes”, o Fiat Mio conquistou o primeiro lugar como protótipo. Desenhado pela Fiat Style Center America Latina - Peter Fassbender, Paulo Nakamura, Daniel Lelis, Mateus Silveira, Valeria Santos, Renata Tanure, Fabio Bastos, Sidney Cassim, André Guimarães -, o projeto observa as novas demandas da mobilidade urbana sustentável, adotando um novo procedimento de envolvimento do público no processo de desenvolvimento do projeto, que teve a participação de internautas.

Na categoria “iluminação”, Thiago de Salles Penteado, Luís Gustavo Soares Santos, Eduardo Ponzoni Dognini, Érik Gurski Lima receberam menção honrosa pela luminária pendente LED em madeira curvada, que oferece baixo consumo de energia e produz luz difusa e sem ofuscamento.

Como protótipo da categoria, a luminária de banca de jornal desenvolvida pelo Obra Arquitetos - João Paulo Daolio, Iris Mara de Carvalho Daolio – também recebeu honrosa. Segundo avaliou o júri, a solução é criativa e adequada à demanda de um mercado emergente.

Os bancos Blade e Phillips, ambos do designer Jader Almeida e produzidos pela Sollosbrasil, foram premiados com primeiro lugar na categoria “mobiliário”. O Blade é um móvel simples, com requinte de acabamento e emprego de madeira proveniente de áreas de manejo. O banco Phillips tem estrutura de aço maciço e assento em MDF. Sua denominação é inspirada no parafuso Phillips, devido sua semelhança à forma. Trata-se de uma releitura bem-humorada dos bancos de piano.

A ilha de cocção desenhada por Emmanuel Viana de Melo, Marcelo Valença e Michel Pompeu ficou em primeiro lugar entre os protótipos que concorreram na categoria “mobiliário”. Em um só equipamento são reunidas as área de cocção, preparo, higienização e apoio. Apresenta, entre os inúmeros atributos formais e funcionais, o grande mérito de investigar e propor soluções no âmbito do design no mercado profissional da alimentação industrial.

Na categoria “têxteis”, o Painel tear conquistou o primeiro lugar. Com design de Renata Meirelles e produção da Performa Comércio e Serviços, a peça resulta de pesquisa que resgata a técnica do tear de prego incorporada ao recorte a laser e fixação por termo-adesivagem.

Solar Intense, releitura de uma panela de 1978 feita com aço inox, vidro e silicone, foi premiada com o primeiro lugar na categoria “utensílios”. Com design de Elisa Tramontina, Gustavo Giorgi e Marina Metz e produção da Tramontina, o uso de silicone permite o fechamento mais preciso da tampa e evita a batida seca entre metais.

Interiores no Brasil: a influência portuguesa no espaço doméstico, de autoria de Maria Lúcia Machado (Editora Olhares) e Belle Époque dos jardins, de Guilherme Mazza Dourado (Editora Senac de São Paulo) ficaram em primeiro lugar na categoria de “trabalhos escritos publicados”. O primeiro resultou de uma profunda pesquisa que resgata a herança portuguesa na configuração dos espaços residenciais brasileiros a partir de 1808. O trabalho de Dourado foi feito a partir de documentação inédita e apresenta amplo levantamento de publicações e periódicos da área, sempre dentro do contexto histórico e social.

Estudo e evolução do projeto de plantas de apartamentos de Curitiba: 1943-2004, de autoria de Fabiano Borba Vianna (FAU-USP, com orientação de José Jorge Boueri Filho) conquistou o primeiro lugar entre os trabalhos escritos não publicados. Além de abordar a evolução da tipologia dos edifícios de apartamentos em Curitiba, a obra contribui para futuras pesquisas com a documentação iconográfica levantada.

25º Prêmio Design Museu da Casa Brasileira
Exposição
de 23 de novembro a 15 de janeiro
ter a dom, das 10h às 18h
R$ 4 e R$ 2 meia. Grátis aos domingos
Av. Faria Lima, 2705 – Jd. Paulistano/São Paulo
Tel.: 11 3032-3727
http://www.mcb.org.br/
twitter.com/mcbpremiodesign
Estacionamento pago no local

Informações para a imprensa – Museu da Casa Brasileira

Solange Viana - Coordenação de Comunicação

comunicacao@mcb.org.br

com:

Mercedes Guilloux - Assistente de Comunicação

assistcomunicacao@mcb.org.br

Izabelle Prado - Assistente de Comunicação

assist2comunicacao@mcb.org.br

Informações para a imprensa - Secretaria de Estado da Cultura

Ciro Bonilha – (11) 2627-8166 cbonilha@sp.gov.br

Ellen Oliveira – (11) 2627-8243 ellenoliveira@sp.gov.br

Ótima matéria no Pág. 12 - Argentina

2011-12-06T13:16:00.002-02:00

MCB

2011-12-06T13:14:00.004-02:00

A CASA é destaque no Estadão com "Poética da palha"

2011-12-06T13:11:00.000-02:00

Poética da Pallha - acontece até 17 de fevereiro de 2012 é destaque no caderno CASA do Estadão

Você é nosso convidado

2011-11-17T14:24:00.001-02:00

Finalistas no Prêmio Design - MCB

2011-11-17T14:22:00.003-02:00

Prêmio Design Museu da Casa Brasileira chega à 25ª edição como a mais reconhecida premiação do setor

Cerimônia de anúncio dos vencedores inclui atividades especiais para marcar

os 25 anos de uma iniciativa que alia a preservação dos objetivos originais com uma constante renovação para acompanhar as mudanças do design brasileiro

Em sua 25ª edição, o Prêmio Design Museu da Casa Brasileira consolida-se não apenas como a mais longeva premiação nacional nesse segmento, mas como uma iniciativa que ao longo dessas duas décadas e meia traduz, de forma exemplar, a história e evolução do design no país. “Já não é possível falar da construção da identidade do design nacional sem que esta trajetória seja permeada ou, em alguns momentos, conduzida e até antecipada pelo Prêmio Design Museu da Casa Brasileira”, assinalam Miriam Lerner, diretora geral do Museu, e Giancarlo Latorraca, seu diretor técnico, no texto de introdução ao catálogo sobre as últimas cinco edições.

A cerimônia de premiação do 25º Prêmio Design Museu da Casa Brasileira acontece dia 22 de novembro (terça-feira), a partir das 19h30. Na ocasião, serão anunciados os vencedores nas categorias e modalidades de Equipamentos de construção, de transporte, e eletroeletrônicos, Iluminação, Mobiliário, Têxteis, Utensílios e Trabalhos escritos. Será lançado ainda o livro “21º ao 25º Prêmio Design Museu da Casa Brasileira”, que reúne os projetos finalistas e premiados nessas cinco edições. A publicação será distribuída gratuitamente aos presentes.Veja a lista de selecionados para a Mostra no site do MCB, é só clicar aqui!

Prêmio Design Museu da Casa Brasileira

Premiação | 22 de novembro, às 19h30 | entrada gratuita

Exposição | de 23 de novembro a 15 de janeiro

ter a dom, das 10h às 18h

R$ 4 e R$ 2 meia. Grátis aos domingos

Av. Faria Lima, 2705 – Jd. Paulistano/São Paulo

Tel.: (11) 3032-3727

www.mcb.org.br

twitter.com/mcbpremiodesign

Informação para a imprensa – Museu da Casa Brasileira

No Museu da Casa Brasileira

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A CASA apresenta: Poética da palha - Cerro Azul

2011-11-14T16:55:00.001-02:00

A CASA museu do objeto brasileiro apresenta exposição

Poética da palha - Cerro Azul

Abertura: 23 de novembro, quarta-feira, das 19h30 às 22h30

Visitação: de 24 de novembro de 2011 a 17 de fevereiro de 2012

Nos últimos anos, A CASA museu do objeto brasileiro tem se voltado à divulgação e reflexão sobre a produção artesanal e o design brasileiros. Em 2011 A CASA resolveu retomar a vocação de atuar diretamente junto a comunidades de artesãos. O Vale do Ribeira surgiu como localidade própria para tanto. O grupo Tecendo História foi o escolhido por A CASA que convidou o designer Renato Imbroisi para coordenar o projeto de desenvolvimento de novos produtos com palha de milho, bambu e criciúma com artesãos de Cerro Azul. O resultado desse encontro é apresentado agora em exposição que acontece de 23 de novembro e permanece até 17 de fevereiro de 2012.

O projeto desenvolvido por A CASA consistiu na realização de oficinas para desenvolvimento de novos produtos com design e qualidade diferenciada, tais como chapéus, caixas e bolsas, utilizando referências locais para definir a identidade de Cerro Azul. Além disso, o projeto investiu no aperfeiçoamento das técnicas de trançado e cestaria com introdução de novas possibilidades técnicas; na capacitação para o tingimento natural a partir de espécies locais em substituição às tintas industrializadas, e, finalmente, buscou apontar novos nichos de mercado, fornecendo ferramentas de gestão aos artesãos.

Localizado no Vale do Ribeira, a 84,56 km da capital do Paraná, o município de Cerro Azul é conhecida como “terra da laranja” ou “capital da laranja” devido à produção de uma enorme variedade de cítricos como a laranja, limão taiti, limão rosa, mexerica, murcott, montenegra, montenegrina, tinkan, kinkan, conkan e, a mais conhecida do lugar, ponkan (ou poncã). Na época da safra, o contraste entre o verde escuro das folhas das árvores e o amarelo forte dos frutos deixam a paisagem deslumbrante. Embora a agropecuária seja a principal atividade econômica e ocupe a maior parte do tempo dos moradores, o artesanato é feito nas horas vagas e complementa a renda familiar.

O artesanato local é feito a partir de matérias primas naturais como palha de milho, taboa, criciúma e bambu, muitas vezes encontradas no próprio quintal da casa das artesãs, na lavoura em que trabalham ou proximidades. O processo técnico tem início cortando-se as “tiras” do material na largura desejada, o que varia de acordo com o tamanho e o tipo de peça a ser produzida. Isso é feito à mão, no caso da palha de milho, ou com um facão, no caso dos bambus. Em seguida, parte-se para o trançado propriamente dito, que segue caminhos diversos, resultando nos mais variados efeitos. A maior parte dos objetos é vendida em sua cor natural, mas, recentemente, artesãos introduziram tintas industrializadas em algumas peças. A atividade costuma ser realizada em ambiente doméstico e, não raro, conta com a colaboração da família para as tarefas mais simples.

HisakoKawakami foi a responsável pela oficina de tingimento vegetal, ensinando todo o processo aos artesãos. Já a oficina de trançado, foi coordenada por Francinaide Farias Silva de Alcântara, artesã do Distrito Federal, que apresentou técnicas para o desenvolvimento de novos produtos com maior valor agregado. Adriane Coleto conduziu a oficina de gestão de mercado, abordando temas como precificação, posicionamento dos produtos, relacionamento com os clientes e controle de qualidade.

A expectativa é a de que o projeto torne os produtos artesanais de Cerro Azul conhecidos em todo o país, possibilitando aos moradores uma alternativa de trabalho durante a entressafra da laranja. Famoso nacionalmente pela citricultura está na hora de Cerro Azul apresentar ao Brasil suas habilidades artesanais.

exposição Poética da Palha - Cerro Azul

Abertura

23 nov | das 19h30 às 22h30 (manobristas no local)

Visitação

de 24 nov 2011 a 17 fev 2012 | de seg a sex, das 10h às 19h

A CASA museu do objeto brasileiro

Rua Cunha Gago, 807 Pinheiros | São Paulo SP

Assessoria de imprensa: Solange Viana | T + 11 4777.0234 solange.viana@uol.com.br |http://solangeviana.blogspot.com

Venha conferir! 25º Prêmio Design do MCB

2011-11-14T16:52:00.000-02:00

25º PRÊMIO DESIGN MUSEU DA CASA BRASILEIRA

Abertura e Premiação: 22 de novembro, às 19h30
Visitação: 23 de novembro a 15 de janeiro

Prêmio celebra 25 anos com instalação interativa,
catálogo e site especial

Com número recorde de inscrições nos concursos do cartaz, 855, e de produto/trabalhos teóricos, 810, o Prêmio reuniu novamente grandes nomes do design brasileiro em suas comissões julgadoras e trouxe maior diversidade de pontos de vista, por meio da participação de membros de outros Estados.

O resultado da mais renomada premiação de design do país poderá ser conferido no dia 22 de novembro, às 19h30. Os participantes serão homenageados na cerimônia de entrega dos prêmios e abertura da exposição, que traz os trabalhos finalistas e premiados nesta edição. A mostra trará ainda os cartazes que divulgaram o Prêmio ao longo de sua trajetória.

Para celebrar estes 25 anos, será lançado um site especial e inaugurada uma instalação interativa que disponibilizarão ao público grande parte da memória do Prêmio, cuja história se mistura à do próprio design brasileiro. Na ocasião haverá ainda o lançamento do catálogo “21 - 25º Prêmio Design MCB”, que tem tiragem especial e será distribuído exclusivamente na noite da premiação.

Também serão conhecidos os contemplados que terão inscrição gratuita no iF Product Design Award 2013 - ação desenvolvida em parceria com o Centro Design Paraná -, e sorteada entre premiados e finalistas a bolsa de estudos em um curso de design em Milão, com passagem aérea ida/volta, fruto da parceria com Domus Academy e apoio de Students Online. O evento é gratuito e aberto ao público.

Calendário Prêmio Design MCB
22 de novembro – cerimônia de premiação, abertura da exposição, lançamento de catálogo e instalação interativa

Apoio: Arquitetura e Construção, Arq!Bacana, Casa Cláudia, Centro Design Paraná, Domus Academy, Leo Burnett/Tailor Made, Living Design, Paralela Gift, Students Online e Vitruvius.

Museu da Casa Brasileira
Endereço: Av. Faria Lima, 2705 - Jardim Paulistano
Tel.: (11) 3032-3727
Site: www.mcb.org.br
twitter.com/mcb_org

No Museu da Casa Brasileira

Solange Viana - Coordenação de Comunicação | comunicacao@mcb.org.br

Mercedes Guilloux - Assistente de Comunicação | assistcomunicacao@mcb.org.br

Izabelle Prado - Assistente de Comunicação | assist2comunicacao@mcb.org.br

Agora no Museu da Casa Brasileira

2011-11-14T16:47:00.000-02:00

AVA é destaque no Vitruvius

2011-10-28T16:28:00.000-02:00

Veja a próxima exposição no AVA all visual arts já é destaque no Vitruvius é só clicar aqui!

G. Fogaça é a próxima exposição do AVA all visual arts

2011-10-26T18:06:00.002-02:00

AVA – All visual arts apresenta a mostra “Intenções Urbanas”

do artista goiano G. Fogaça

Abertura, 8 de novembro, terça-feira, das 19h às 22h30

Visitação: de 8 de novembro a 10 de dezembro de 2011

Para a sua segunda exposição, o espaço AVA all visual artsescolheu o artista G. Fogaça, que apresenta uma série de obras inéditas, intitulada Intenções Urbanas que é composta de 16 obras óleo sobre tela e óleo sobre cartão em formatos variados, retratando o caos urbano, sobretudo provocado pelo excesso de veículos automotores e a solidão do homem contemporâneo. A exposição permanece até 10 de dezembro.

Nascido na cidade de Goiás em 1967. Vive e trabalha em Goiânia, GO. Autodidata, iniciou sua carreira como pintor em 1985, quando participou do Salão Vintém de Cobre, em Goiás. A partir de então tem participado de numerosas individuais e coletivas no Brasil, Chile, Bolívia, Bélgica, Argentina, Espanha, França e Cuba.

Em Goiânia, possui várias obras públicas entre elas “A Praça das Artes”, no Jardim Goiás e o monumento à Bossa Nova, tendo ainda realizado intervenção em ponte na Marginal Botafogo.

O artista vem desenvolvendo carreira internacional mediante exposições individuais em vários países, as quais ensejaram a publicação de artigos em importantes revistas de arte tais como Florilège, França, La Cigogne, Bélgica, Mallorca Fórum, Espanha, além de prefácios em catálogos assinados por críticos de arte do Brasil, Cuba, Chile e França.

Sobra a obra de G. Fogaça, a francesa, Nathalie Lescop-Boeswillwald , Doutora em História da Arte, escreveu: “...O traço é rápido, preciso; a cor é crua, audaciosa; a linha é afiada, angular, para melhor estruturar o desenho... Fogaça domina sobremaneira a arte de colocar os sujeitos e os elementos em situações reais, sabendo compor com a descrição dos acontecimentos e o lado banal da Unidade urbana, para re-criar cenas de rua extremamente realistas e “falantes”... Pois a pintura de Fogaça, ao mesmo tempo em que ilustra a megalópole moderna com suas cadências trepidantes, nos interpela... Sublinhando o anonimato do indivíduo no coração da multidão... Solidão e grandes conjuntos, notívagos e temporalidade efetiva... Tudo aqui convive na indiferença própria ao exagero das grandes cidades...Fogaça é o pintor da vida comum que materializa o espectro da cidade desumanizada. Testemunha da sua época, ele relata mais do que denuncia a cidade como ela é, lançando, através do seu talento e da acuidade do seu olhar, uma luz sobre aquilo que as pessoas se recusam a enxergar! “, conclui. Vale conferir. O AVA fica na Rua Matheus Grou, 513A.

SERVIÇO:

“Intenções Urbanas” de G. Fogaça

16 obras - óleo s/tela e s/cartão em diversos formatos

Abertura, 8 de novembro, terça-feira, das 19h às 22h30

Visitação: de 8 de novembro a 10 de dezembro de 2011

AVA All visual arts

Rua Mateus Grou, 513-A, Pinheiros

Tel 11 3031.2181

www.avaonline.com.br

Assessoria de imprensa: Solange Viana | T + 11 47770234 | solange.viana@uol.com.br |http://solangeviana.blogspot.com

SOBRE G FOGAÇA

PRINCIPAIS EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS

2011

Galeria “A Hebraica”, São Paulo, Brasil

Galeria Luz y Ofícios – Centro Provincial de Artes Plásticas y Diseño de la Ciudad de Habana, Cuba

Espace Ocktogen, Saint-Ghislain, Bélgica

Sala Amanda Labarca – Santiago, Chile

2010

Galeria Portinari – Buenos Aires, Argentina

Instituto Cultural de Providência, Santiago, Chile

2008

Fundação Jaime Câmara, Goiânia, Brasil

Galeria de Arte da UNICAMP, Campinas, São Paulo, Brasil

2007

L´espace d´exposition de Guaran, Lectoure, França

Galeria La Ronda, Palma de Mallorca, Espanha

Sala Entel, La Paz, Bolívia

2006

Galeria de Arte Casa Thomas Jefferson, Brasília, Brasil

Sala Amanda Labarca – UTEM – Santiago, Chile

Faculdades Alfa, Goiânia, Brasil

Pontificia Universidad Catolica de Temuco, Chile

2004

Pontificia Universidad Católica de Goiás, Goiânia, Brasil

A CASA vai ter sede própria. Aguardem!

2011-10-20T12:41:00.001-02:00

A CASA museu do objeto brasileiro vai ter sede própria!
Aguardem notícias!

AVA all visual arts abre nova exposição

2011-10-19T16:04:00.002-02:00

AVA – all visual arts apresenta “memoriar - narrações imaginárias de um cotidiano” de Márcia Gadioli

Abertura, 18 de outubro, terça-feira, das 19h às 23h

Visitação: de 19 de outubro a 02 de novembro de 2011

No próximo dia 18 de outubro, terça-feira, o espaço AVA all visual arts recebe por duas semanas a exposição “memoriar – narrações imaginárias de um cotidiano” com fotografia e outros trabalhos desenvolvidos em parafina abordando questões antagônicas como fragilidade e resistência, efemeridade e perenidade da artista visual Márcia Gadioli, e que permanece até 2 de novembro.

Ao partir de imagens de jornais, a artista busca transitar na memória coletiva. Essa mídia, de produção rápida é tanto efêmera por ser descartada todos os dias, ou durável por trazer notícias e dados importantes que muitas vezes queremos manter, armazenar, arquivar. A artista então transfere estas imagens para a parafina. Nessa condição, se a placa de parafina tivesse grande espessura, se tornaria muito resistente e a imagem impregnada, duradoura. Porém, ela usa uma espessura muito fina, tornando o resultado extremamente frágil.

O visitante ficará encantado com a delicada forma como a artista aborda a fragilidade da imagem, da memória e mesmo da importância das coisas. O espectador é convidado a participar ativamente, vivenciando esta fragilidade e completando o significado da obra ao poder manusear as lâminas que ficarão empilhadas sobre a mesa.

É provável que, mesmo os mais cuidadosos, não consigam manter as imagens e nem todas permaneçam em cima da mesa durante o período expositivo, o que pode gerar ao fim da exposição somente fragmentos... de memórias.

A artista trará também obras em parafina emolduradas e fotografias preto e branco reveladas e ampliadas manualmente e com tratamento museológico. Vale conferir.

Marcia Gadioli

Brasileira, nascida em 12 de maio de 1965. Vive e trabalha em São Paulo. Pesquisa a memória e a passagem do tempo representados nas alterações urbanas através da fotografia. Membro do grupo de estudos e pesquisa issotudoégrupo desde de julho de 2008. Criou e dirige, juntamente com Marcelo Salles, a Casa Contemporânea espaço de atelier, exposições e debates desde 2009.

SERVIÇO:

“MEMORIAR narrações imaginárias de um cotidiano" de Márcia Gadioli

Abertura, 18 de outubro, terça-feira, das 19h às 23h

Visitação: de 19 de outubro a 02 de novembro de 2011

A galeria estará aberta no feriado de 02 de novembro.

AVA all visual arts

Rua Mateus Grou, 513-A ^.Pinheiros ^. São Paulo

Tel.: 11. 3031.2181 ^. 11.30978443

De segunda à sexta das 10h às 19h e aos sábados das 10h às 17h.

www.avaonline.com.br | ava@avaonline.com.br

Assessoria de imprensa: Solange Viana

T + 11 47770234 | solange.viana@uol.com.br | http://solangeviana.blogspot.com

Leon 2

2011-10-15T13:31:00.001-03:00

Leon

2011-10-15T13:30:00.001-03:00

Em breve!

AVA all visual arts é destaque no GUIA DA FOLHA SP

2011-09-26T10:07:00.000-03:00

Novas galerias abertas em São Paulo o AVA all visual arts é um. Inaugurada em novembro de 2010.

AVA all visual arts promove "Diálogos sobre Arte"

2011-08-24T17:09:00.003-03:00

AVA – all visual arts apresenta
DIÁLOGOS SOBRE ARTE

O espaço cultural AVA all visual arts apresenta, durante os meses de setembro e outubro, uma vasta programação de cursos sobre arte com curadoria do jornalista Bruno Moreschi

Arte brasileira, leitura de portfólio, arte moderna e contemporânea, fotografia

Durante os meses de setembro e outubro, o AVA all visual arts apresenta uma vasta programação de cursos sobre arte contemporânea. Sob curadoria do jornalista Bruno Moreschi e organização da empresária, Cristina Oliveira, que dirige o AVA, serão apresentados diversos cursos sob o título: Diálogos sobre Arte, que conta ainda com as participações da jornalista Gisele Kato, da curadora Fernanda Lopes, da artista plástica, Márcia de Moraes, do crítico e doutor em artes, Carlos GH e do artista plástico Nelson Screnci.

O AVA all visual arts além de ser um entreposto de exibição e orientação de aquisição de obras de arte é também um espaço de convívio e diálogo da arte com o público. Foi pensando nisso que foi organizado uma temporada de Diálogos sobre Arte, que tem a intenção de possibilitar encontros e a aproximação do público com artistas e agentes culturais, tornando acessível a troca de informações, conceitos e entendimentos que regem o pensamento e o fazer artístico. Veja a programação completa abaixo!

Arte Brasileira, anos 1950, 1960 e 1970: uma discussão a partir da Experiência Rex

Sobre o curso: Formado por Geraldo de Barros, Nelson Leirner, Wesley Duke Lee, Carlos Fajardo, Frederico Nasser e José Resende em 1966, o Grupo Rex foi fundamental para a arte brasileira. Este curso pretende discutir a atuação do grupo, seu impacto para o cenário artístico da época e usar esse movimento para apresentar um panorama da arte brasileira nos anos 1950, 1960 e 1970.

Sobre Fernanda Lopes: Fernanda Lopes é curadora associada do Centro Cultural São Paulo, jornalista e pesquisadora. É mestre em História e Crítica de Arte pela EBA/UFRJ, pós-graduada pela PUC-RJ em História da Arte e Arquitetura no Brasil e graduada em Comunicação Social pela PUC-RJ.

Datas: 12 e 14 de setembro, das 19h às 22h.

Duração: 2 encontros de 3 horas.

Público: Geral interessado.

Valor:R$ 120,00

Vagas: 15 pessoas

Leitura de portfólio: Encontros individuais

Sobre o curso: A proposta desse curso é oferecer um espaço individual para que artistas de todas as idades mostrem sua produção artística. Além de analisar as obras dos participantes, os coordenadores irão sugerir referências teóricas e visuais, como trechos de livros, trabalhos de outros artistas, filmes, entre outros materiais. Cada artista terá um horário marcado anteriormente de, aproximadamente, meia hora com os coordenadores. Serão analisados a maneira com que o artista apresenta suas obras; como é montado formalmente o portfólio, entre outras questões que podem enriquecer sua produção artística.

Sobre Marcia de Moraes: Márcia de Moraes é mestre em Artes Plásticas pela Unicamp. Realizou individuais no Centro Universitário Maria Antonia, em 2009, e na Galeria Leme, SP, em 2010. Recentemente, fez residência artística na cidade de La Roche-en-Brenil, França.

Sobre Bruno Moreschi: Bruno Moreschi é jornalista formado na Universidade Federal de Santa Catarina, mestrando em Artes Plásticas pela Unicamp e artista plástico. Escreve para publicações como piauí, Bravo! e ffwMag.

Datas: 17, 24 de setembro e 1 de outubro, das 14h às 16h, sábados

Duração: 30 minutos por pessoa.

Público: Artistas

Valor: R$ 170,00

Vagas: 16 pessoas (4 vagas por sábado)

Introdução a Fotografia Contemporânea

Sobre o curso: O curso pretende discutir noções introdutórias a respeito da fotografia e também analisar o papel da fotografia hoje num mundo tão visual. Além disso, os encontros irão apresentar trabalhos importantes de fotógrafos contemporâneos e conceitos teóricos de estudiosos como Susan Sontag.

Sobre Carlos G.H.: Carlos G.H. é doutor em artes pela Universidade Federal de Santa Catarina e pela Universidade de Glasgow, Reino Unido. Também já exibiu suas fotografias em exposições no Brasil e no exterior.

Datas: 20 e 22 de setembro, das 19 às 22h.

Duração: 2 encontros de 3 horas.

Público: Geral interessado.

Valor:R$ 120,00

Vagas: 15 pessoas

Arte Moderna e Arte contemporânea: rupturas e continuidades.

Sobre o curso: Apresentação de uma síntese dos principais movimentos dos séculos XX e XXI, e proposta de discussão sobre as possíveis fronteiras.

Sobre Nelson Screnci: Nelson Screnci é Artista Plástico, Professor de Artes Visuais e de História da Arte. Formado em Artes Plásticas na FAAP em 1982, recebeu no ano seguinte o Prêmio Pirelli-Masp e em 2011, o Prêmio Interações Estéticas/Funarte.

Data: 27 de setembro, das 19 às 22h.

Duração: 1 encontro de 2 horas.

Público: Geral interessado.

Valor: R$ 120,00

Vagas: 15 pessoas

Introdução a arte contemporânea: uma seleção dos mais importantes artistas da atualidade

Sobre o curso: Nos encontros, os participantes terão a oportunidade de conhecerem as biografias e as obras mais importantes dos principais artistas visuais da arte contemporânea. Além disso, o curso irá mostrar um panorama das vertentes da arte contemporânea e uma vasta quantidade de imagens de obras, trechos de filmes e textos teóricos.

Sobre Gisele Kato: Gisele Kato é editora de artes visuais da revista Bravo! desde 2008. Possui graduação na Escola de Comunicação e Artes na USP e pós-graduação em História da Arte na Faap.

Datas: 24, 26 e 31 de outubro, das 19 às 22h.

Duração: 3 encontros de 3 horas.

Público: Geral interessado.

Valor:R$ 250,00

Vagas: 15 pessoas

Inscrições: pelos telefones 30312181/ 30978443 ou via e-mail: ava@avaonline.com.br

SERVIÇO:

Diálogos sobre Arte, com Bruno Moreschi, Gisele Kato, Fernanda Lopes, Márcia de Moraes, Carlos GH e Nelson Screnci

AVA – all visual arts

Rua Mateus Grou, 513-A, Pinheiros

Tel 11 3031.2181

Mais informações: www.avaonline.com.br

Informações para imprensa: Solange Viana |

T + 11 4777.0234 | solange.viana@uol.com.br

"Cama Patente" é destaque no Vitruvius

2011-08-22T11:51:00.000-03:00

A exposição "cama patente - memória e imaginário" que acontece no SESC Araraquara é destaque no Vitruvius, Portal de Arquitetura. É só clicar aqui.

AVA all visual arts promove venda especial de OBRAS DE ARTE

2011-08-10T18:04:00.001-03:00

AVA all visual arts oferece
Obras de Arte a preços acessíveis
Ótima dica para o Dia dos Pais
Helcio de Barros, Joji Kussunoki, Laura Stankus e MariluTrevisan

AVA all visual arts é um novo espaço cultural que acaba de ser inaugurado em São Paulo e oferece uma ótima oportunidade de acesso a obra de arte. Uma opção chique e primorosa que pode ser um presente de qualidade para o Dia dos Pais.

Com obras de artistas contemporâneos a galeria AVA oferece desenhos, gravuras, xilogravuras, acrílicas s/tecidos a preços que vão de R$ 175 a R$ 680,00. Uma rara oportunidade de se adquirir uma obra de arte. Veja a tabela de preços das obras abaixo.

Helcio de Barros, Sem Título, Acrílica Sobre Tecido, 18 x 15 cm   R$ 320
Helcio de Barros, Acrílica Sobre Tecido, 20 x 15 cm, 2010    R$ 320
Joji Kussunoki,Horto Florestal, Aquarela sobre Papel, 16 x 20,5 cm, 2011   R$ 630
Joji Kussunoki ,Ibirapuera, Aquarela sobre Papel, 16 x 20,5 cm, 2011   R$ 630
Joji Kussunoki ,Zinia, Aquarela sobre Papel, 16 x 20,5 cm, 2010    R$ 630
Joji Kussunoki ,Estrelitízia, Aquarela sobre Papel, 19 x 15 cm, 2010      R$ 680
Laura Stankus,AMAR.elo, Nanquim sobre papel, Série Umas Brasileiras, 25x18 cm, 2009    R$ 320
Laura Stankus ,Na mala, Nanquim sobre papel, Série Umas Brasileiras, 16 x 22 cm, 2007    R$ 320
Laura Stankus ,Berliner, Nanquim sobre papel, Série Umas Brasileiras, 16 x 22 cm, 2007    R$ 320
Laura Stankus,Manequim, Nanquim sobre papel, 32 x 17 cm, 2007    R$ 500
Laura Stankus ,Fogo, Nanquim sobre papel , 28 x 20 cm, 2008    R$ 500
Marilu Trevisan ,Sem Título, Isogravura sobre Cerâmica, Dimensões Irregulares, 2010   R$ 585
Marilu Trevisan ,Divino, Xilogravura, 27x25cm, 2009   R$ 200
Marilu Trevisan ,Sem Título, Xilogravura, Série: PA, 23x23 cm, 2009    R$175

O AVA - All Visual Arts é um espaço dedicado a arte contemporânea que tem como objetivo aproximar o artista de seu público. Dirigido pela empresária Cristina Carvalho Oliveira, funciona como um entreposto de exibição de obras de arte e objetos de design únicos e realizados em séries limitadas.

O grupo de artistas representados pelo AVA é eclético, abrangendo jovens artistas, em seus mais diversos suportes e designers contemporâneos. O acervo é constituído por papéis, fotos, telas e esculturas.

A proposta do AVA é mediar à aquisição das obras de forma respeitosa, observando clientes e artistas. Ao inserir a arte no cotidiano de seus clientes, o AVA proporciona leveza, sensibilidade e cultura para qualquer ambiente, seja uma residência ou um escritório

SERVIÇO:
AVA – all visual arts
Rua Mateus Grou, 513-A, Pinheiros
Tel 11 3031.2181
Mais informações: www.avaonline.com.br

Informações para imprensa: Solange Viana |
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Renato Imbroisi realiza mostra no museu A CASA

2011-08-10T12:00:00.001-03:00

A CASA museu do objeto brasileiro apresenta

exposição DESENHO DE FIBRA

exposição retrospectiva de Renato Imbroisi

abertura: 1 de setembro, das 19h30 às 22h30

visitação: de 2 de setembro a 18 de novembro de 2011

A CASA museu do objeto brasileiro apresenta a exposição Desenho de Fibra do designer Renato Imbroisi, com uma retrospectiva de 25 anos de trabalho dedicado ao universo têxtil. Na ocasião serão destacadas cinco regiões do Brasil, focando suas técnicas básicas: tecelagem, rendas, cestarias, bordado e crochê, onde cada peça será representada na mostra que acontece de 1 de setembro a 18 de novembro de 2011.

Esta exposição é baseada no conteúdo do livro “Desenho de Fibra – Artesanato Têxtil no Brasil”, escrito por Maria Emilia Kubrusly e Renato Imbroisi, lançado pela editora Senac em 2011. Apresenta um resumo da trajetória do designer Renato Imbroisi em 30 projetos de criação.

A exposição “Desenho de Fibra” traz um resumo da trajetória de Renato Imbroisi e a descrição de como desenvolveu, um método de trabalho conjunto com artesãos têxteis. Dos 140 projetos em que já trabalhou no Brasil, foram selecionados cerca de 35 peças, por serem exemplos de parcerias bem sucedidas entre o designer e os artesãos que deram continuidade à produção com profissionalismo, chegando, em muitos casos, a constituir empresas, formar associações, exportar e conquistar autossuficiência criativa, comercial e financeira.

O resultado de todo este processo é revelado aqui numa seleção de peças representativas, utilizando técnicas de tecelagem, bordado, crochê, costura e rendas. Uma rara oportunidade de conhecer o trabalho deste importante designer brasileiro.

QUEM É RENATO IMBROISI

Renato Imbroisi é tecelão e designer. Desenvolve peças de artesanato com design desde 1987; a partir de 1996, atua também como consultor, diretor de projetos e parceiro de artesãos no desenvolvimento e na criação de novos produtos, resgatando técnicas, tradições e evidenciando a identidade cultural local.

Trabalha em todas as regiões do Brasil, em Moçambique, São Tomé e Príncipe, e já atuou no Japão e na Itália.

SERVIÇO

Exposição DESENHO DE FIBRA de Renato Imbroisi

Abertura: 1 de setembro das 19h30 às 22h30

Visitação: de 2 de setembro a 18 de novembro de 2011

De seg a sexta das 10h às 19h

A CASA museu do objeto brasileiro | Rua Cunha Gago, 807 | São Paulo SP

Informações | T + 55 11 3814 9711 | acasa@acasa.org.br | www.acasa.org.br

ASSESSORIA DE IMPRENSA | Solange Viana

solange.viana@uol.com.br

Informações | http://solangeviana.blogspot.com

FICHA TÉCNICA

Direção geral | Renata Mellão

Curadoria | Renato Imbroisi

Projeto expográfico | Tina e Lui Design

Coordenação e produção | Jaine Silva

Assistência de produção e divulgação | Daniel Casquel de Tomasi

Desenvolvimento de conteúdo | Daniel Douek

Consultoria de projetos | Cláudia Vendramini

Assessoria de imprensa | Solange Viana

Secretaria | Cleide Lopes

Manutenção e montagem | Alex Belarmino e José Mendes de Araújo

Realização | A CASA museu do objeto brasileiro

"Cama Patente" é destaque no CASA do Estadão

2011-08-09T18:05:00.000-03:00

Cama Patente é destaque na CASA VOGUE

2011-07-21T09:45:00.000-03:00

"Cama Patente: memória e imaginário" que acontece no SESC Araraquara até 18 de setembro, é destaque na CASA VOGUE é só clicar aqui para ler a metéria.

Cama Patente: memória e imaginário no Sesc Araraquara

2011-07-21T09:25:00.002-03:00

SESC Araraquara apresenta a exposição

“Cama Patente: Memória e Imaginário”

Um resgate ao passado do mobiliário nacional

Visitação até 18 de setembro de 2011

O SESC Araraquara apresenta uma rara oportunidade de se conhecer um pouco da história do mobiliário nacional. Destaca-se a valorização da memória da cidade de Araraquara e seus bens culturais, com a realização da exposição “Cama Patente: memória e imaginário” que trata da concepção da Cama Patente, peça do mobiliário surgida na cidade em 1915 e cuja história é parte fundamental do processo de modernização do design de mobiliário no Brasil.

A exposição que acontece até 18 de setembro é inédita e está divida em quatro partes: Origens, Carrera, Indústria e Referências, que narram a história da criação da Cama Patente desde a produção artesanal de Celso Martinez Carrera, passando pelo processo de industrialização impulsionado por Luiz Lício, até a releitura realizada nos anos 80 pelo designer Fernando Jaeger.

Releitura de Fernando Jaeger

Com um acervo de 19 peças originais, documentos, fotos entre outros materiais resultantes da minuciosa pesquisa de Angélica Santi, também curadora da exposição, a mostra, reúne um material nunca antes apresentado ao público, possibilitando um conteúdo inédito, onde é possível verificar padrões de identidade, retratos de uma época, suas técnicas e tecnologias, e suas maneiras de aliar utilidade à estética.

Um pouco da história

A exposição que o SESC Araraquara apresenta traz em destaque o passado mobiliário de Araraquara, que conquistaria todo o país a partir de 1915: a Cama Patente. Projetada pela Fábrica de Móveis Celso Martinez Carrera e a Indústrias Cama Patente - L.Liscio - S.A é resultado das ambições de dois personagens da história que buscaram inovar quanto ao formato e forma de produção de um móvel que tornou-se unanimidade e cujos relatos e memórias também podem ser apreciados na exposição.

Celso Carrera, espanhol naturalizado brasileiro, tinha uma forma artesanal de produzir móveis, que impossibilitava a sua reprodução em série; era responsável por criar desenhos bem cuidados e inovadores em seu formato, prezando a praticidade. Já Luiz Liscio, dono de uma visão empreendedora apurada, apesar de valorizar os mesmos quesitos que Carrera na produção de um móvel, buscava a produção em larga escala. Foi dele a idéia de patentear e aperfeiçoar o projeto de uma nova cama, completamente desmontável e feita de madeira criada por seu parceiro. Essa junção de habilidades mudaria a relação entre consumidores e produtores de mobiliário no Brasil para sempre.

A Cama Patente anunciava mudanças na vida social, econômica e política do Brasil, suprindo a carência de exportações durante a Primeira Guerra Mundial, ela podia ser adquirida a um preço acessível e fez sucesso entre a classe média e baixa da época. Com o tempo, a indústria Patente passaria a diversificar sua produção criando novos modelos de cama, além de berços, cadeiras e armários, entre outros. Hoje em dia, todas essas peças adquiriram o status de inegável importância e deixaram marcas notáveis no mobiliário de nosso país.

“Cama Patente - Memória e Imaginário” resgata a trajetória dessa criação – e suas derivações - em nosso território. A linha, que se tornou a primeira de móveis brasileiros patenteados, como sugere o nome, revolucionou o design de nosso mobiliário, de forma marcante até os dias de hoje, toda essa importância será evocada através de peças originais, documentos e imagens criadas na época, que reconstroem a atmosfera do século passado e o ambiente efervescente e criativo em questão.

SERVIÇO:

CAMA PATENTE: MEMÓRIA E IMAGINÁRIO

até 18 de setembro de 2011

SESC Araraquara fica na Rua Castro Alves 1315

Visitação

Os interessados podem visitá-la de terça a sexta, das 13h30 às 21h30, e aos sábados, domingos e feriados, das 10h às 18h, nas Salas de Múltiplo Uso 2 e 3. Grátis! Agendamentos de escolas podem ser realizados na Central de Atendimento pelo telefone (16) 3301 7529.

Informações para imprensa: Solange Viana

solange.viana@uol.com.br – tel (11) 4777.0234

HTTP://solangeviana.blogspot.com

Capim-dourado na Folha de São Paulo

2011-07-19T10:18:00.000-03:00

museu A CASA é destaque no caderno CASA do ESTADÃO

2011-07-18T20:12:00.000-03:00

A mostra Capim-dourado: costuras e traçados do Jalapão está em cartaz até 12 de agosto no museu A CASA, que fica na Rua Cunha Gago, 807 - Pinheiros - tel. 3814.9711 - Entrada franca.

A CASA é destaque na HOME da Casa Vogue

2011-07-13T21:07:00.001-03:00

Leia matéria publicada sobre a exposição Capim-dourado do Jalapão na CASA VOGUE, que acontece na A CASA museu do objeto brasileiro - é só clicar aqui!

Capim-dourado é a proxima exposição do museu

2011-07-13T21:02:00.004-03:00

A CASA museu do objeto brasileiro e PROMOART+CULTURA trazem para São Paulo o artesanato de Capim Dourado do Jalapão

Abertura, 14 de julho, quinta-feira, das 19h30 às 22h30

Visitação: de 15 de julho a 12 de agosto de 2011

atenção! mesa-redonda: CAPIM DOURADO - costuras e trançados do Jalapão

16 de julho de 2011 | sábado | das 16h às 18h | 50 vagas - GRATUITO

com: Renato Imbroisi, Ana Cláudia Matos Silva, Eliane Damasceno, Carla Arouca Belas com mediação de Daniel Douek

A CASA museu do objeto brasileiro recebe, a partir de 14 de julho, quinta-feira, a exposição Capim dourado: costuras e trançados do Jalapão; uma oportunidade para o público de São Paulo apreciar e adquirir peças artesanais produzidas com esta espécie vegetal por artesãos de 5 comunidades dos municípios de Ponte Alta, São Félix, Mateiros e Novo Acordo, situados na região do Jalapão, no estado do Tocantins.

A exposição é uma realização do Programa de Promoção do Artesanato de Tradição Cultural (Promoart) e do Programa Mais Cultura, do Ministério da Cultura, Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan), Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular (CNFCP) e Associação Cultural de Amigos do Museu de Folclore Edison Carneiro (Acamufec), que contam com a parceria de A CASA museu do objeto brasileiro.

O capim dourado é uma “sempre-viva” da família das Eriocauláceas, a syngonanthus nitens, que significa “brilho”, e originados dele estarão expostos os mais variados tipos de objetos – potes, jarros, fruteiras, porta-pratos, bolsas, bijuterias, entre outros – confeccionados por meio de técnica artesanal herdada dos índios Xerente e repassada aos moradores do povoado de Mumbuca há cerca de 80 anos.

O capim dourado, ou capim de vereda, como era chamado antigamente, é uma matéria-prima típica da região do Jalapão e vem sendo alvo da biopirataria, contrabandeada em outras áreas do Brasil central e promovida por meio da concorrência ilegal sobre a espécie. Por ser uma alternativa de sustento para a população local, produtores e artesãos do Jalapão buscam obter junto ao Instituto Nacional de Propriedade Industrial (INPI) a proteção ao capim dourado pela Indicação Geográfica (IG), na modalidade de Indicação de Procedência. O processo de pedido de IG já está em tramitação no INPI, que enfatiza que “além de proteger os produtores e artesãos locais, o intuito é criar um diferencial, garantindo a qualidade e a competitividade do produto”(fonte: www.inpi.gov.br).

O município de Mateiros, a 324 quilômetros da capital Palmas, com destaque para a comunidade de Mumbuca, constitui um dos núcleos iniciais dessa produção artesanal que, em virtude da crescente demanda de mercado, se expande por outros municípios da região, como São Félix, Ponte Alta e Novo Acordo.

A comercialização do artesanato feito com o capim dourado concorreu para a melhoria das condições de vida das famílias dessas localidades, segundo relato de moradores. Ainda hoje, mesmo com a redução das vendas provocada pela concorrência da expansão da produção artesanal para outros municípios da região, o capim dourado continua sendo uma das principais fontes de renda para os moradores das comunidades produtoras no Jalapão. Com o reconhecimento da matéria-prima e da produção artesanal do capim dourado, grandes artistas do design brasileiro já trabalharam com estas comunidades, agregando novos valores ao produto.

De um modo geral, o artesanato com o capim dourado é produzido por homens, mulheres e crianças a partir dos 10 anos de idade. A dedicação de cada um varia de acordo com os afazeres referentes a seus papéis sociais. Homens e mulheres dividem a produção artesanal com as atividades domésticas ou na roça, e com os serviços externos prestados à Prefeitura, às escolas etc.

Para costurar as hastes do capim dourado, os artesãos usam a “seda” do buriti, palmeira que nasce nas veredas e nas matas ciliares da região. A “seda” é obtida pela extração da fibra encontrada no interior do “olho” ou “folha flecha”, o talo de uma folha nova do buriti. O processo da costura do capim dourado exige muita paciência, atenção e cuidado. O material, embora flexível, é frágil, quebrando com facilidade durante o manuseio. Além disso, para garantir a uniformidade visual das peças, o artesão deve estar constantemente preocupado em manter as mesmas proporções da linha e do capim do início ao fim da confecção de um produto. Atualmente, alguns artesãos incrementam suas peças com materiais mais modernos como fios coloridos, sementes, miçangas e até linhas douradas importadas da China.

Serviço

Exposição Capim dourado: costuras e trançados do Jalapão

Inauguração: 14 de julho, quinta-feira, das 19h30 às 22h30 (manobristas no local)

Visitação: de 15 de julho a 12 de agosto, de segunda a sexta, das 10h às 19h.

A CASA museu do objeto brasileiro - Rua Cunha Gago, 807, Pinheiros I 05421 001 São Paulo – SP
+ 55 11 3814 9711 – acasa@acasa.org.br – www.acasa.org.br – twitter.com/museuacasa

Realização

Promoart+Cultura

Associação Cultural de Amigos do Museu de Folclore Edison Carneiro

Centro Nacional de Cultura Popular / IPHAN / Ministério da Cultura

Parceria

A CASA museu do objeto brasileiro

Assessoria de imprensa: Solange Viana e Janaina Paixão

T + 11 47770234 | solange.viana@uol.com.br | http://solangeviana.blogspot.com

Sobre o Promoart

O Programa de Promoção do Artesanato de Tradição Cultural (Promoart) foi criado para apoiar grupos produtores de artesanato tradicional, buscando o desenvolvimento deste setor da cultura brasileira. Integrado ao Programa Mais Cultura, do Ministério da Cultura, pretende destacar a qualidade e a importância dos saberes tradicionais específicos dos quais o artesão é portador. Seu objetivo é proporcionar condições dignas de sobrevivência aos artesãos e estímulo a sua arte, bem como a formação de mercado que reconheça o valor do artesanato no mundo contemporâneo.

Realizado pela Associação Cultural de Amigos do Museu de Folclore Edison Carneiro (Acamufec), por meio de convênio firmado com o Ministério da Cultura, o Promoart conta com a gestão conceitual e metodológica do Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular (CNFCP) do Departamento de Patrimônio Imaterial/Iphan. Em sua fase de implantação, abrange 65 polos de todas as regiões do país, estratégicos para o desenvolvimento de uma política nacional para o artesanato.

Sobre A CASA

A CASA Museu do Objeto Brasileiro tem o objetivo de contribuir para o reconhecimento, valorização e desenvolvimento do artesanato e do design brasileiros, incrementando a percepção consciente a respeito do nosso produto brasileiro.

Nossa forma de atuação está em coletar, pesquisar, selecionar, documentar e conservar produtos e referências culturais; comunicar, difundir e disponibilizar informação e conhecimento a respeito desses produtos e referências, por meio de exposições físicas e virtuais, publicações, vídeos, debates, ações educativas, entre outros; promover e instituir mediações, atuando como rede que interliga iniciativas e pessoas envolvidas e interessadas na expressão cultural brasileira; estimular a reflexão crítica sobre a expressão cultural brasileira, por meio da realização de encontros, seminários, conferências, cursos, etc.; instituir critérios de avaliação de iniciativas relacionadas ao design e artesanato, estabelecendo parâmetros quanto à ética e qualidade dos projetos; promover a capacitação dos agentes culturais envolvidos.

Vernissage AVA all visual arts

2011-07-05T11:51:00.001-03:00

No último sábado, 02 de julho, foi inaugurada uma nova Galeria de Arte em Pinheiros, a AVA all visual arts, que abriu suas portas com a exposição de desenhos: 5 + 1 s/ papel, com curadoria do querido Enock Sacramento.

A exposição tem em comum o traço dos artistas: Ale Skaff, Cassiano Reis, Fernando Ekman, Israel Kislansky, Paulo Sayeg e Laura Stankus e fica aberta até 15 de agosto. Vale uma visita. A AVA fica na Rua Mateus Grou, 513A, e funciona de seg a sexta, das 10h às 19h, sábados das 10h às 17h (durante exposição), o telefone lá é (11) 3031.2181. Veja algumas fotos de quem passou por lá no vernissage. Mais infos: www.avaonline.com.br.

artistas, o curador, Enock Sacramento e equipe AVA

"5 + 1 s/papel" é destaque no Vitruvius

2011-07-04T16:35:00.000-03:00

Exposição que inaugurou a nova galeria de arte AVA all visual arts, é destaque no Portal Vitruvius.
É só clicar aqui para ler a matéria.

AVA all visual arts é destaque no Arte Ref

2011-07-04T16:31:00.000-03:00

Leia matéria da exposição "5 + 1 s/papel" que inaugurou nova galeria arte em Pinheiros.
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Abre nova galeria de arte em Pinheiros

2011-06-27T08:55:00.001-03:00

AVA – All visual arts apresenta “5 + 1 – sobre papel” exposição coletiva com seis artistas e inaugura novo espaço cultural em Pinheiros

Abertura, 2 de julho, sábado, das 11h às 17h.

Visitação de 04 de julho a 15 de agosto de 2011

Ale Skaff, Cassiano Reis, Fernando Ekman, Israel Kislansky, Paulo Sayeg e Laura Stankus

Um novo espaço cultural nasce em São Paulo. É a AVA – All visual arts. Localizado à Rua Mateus Grou, 513-A, no bairro de Pinheiros, será inaugurado no próximo dia 2 de junho, sábado, a partir das 11 horas, com a mostra “5 + 1 / Sobre Papel” com a qual abre seu programa de exposições temporárias. A mostra, que tem curadoria do critico de arte Enock Sacramento, reúne obras sobre papel de autoria de Ale Skaff, Cassiano Reis, Fernando Ekman, Israel Kislansky, Paulo Sayeg e Laura Stankus e permanece até 15 agosto.

Ale Skaff, arquiteto e urbanista pelo Mackenzie e fotógrafo pelo SENAC, com atuação no campo da cenografia, apresenta quatro técnicas mistas criadas com carvão, pastel e aquarela. Cassiano Reis, ilustrador com atuação em diversos jornais e revistas de São Paulo, entre os quais Folha de S. Paulo, Vida Simples, Superinteressante, Alfa, Vital e Joyce Pascovitich, mostra dois desenhos realizados com sumiê referenciados em memórias familiares. Fernando Ekman, recentemente premiado no Salão de Arte Contemporânea de Santo André e com exposição aberta no Museu de Arte de Goiânia, apresenta aquarelas recentes em que recria objetos diversos em aquarela (ventilador, rádio de pilha, máquina fotográfica) e em aquarela e nanquim (máquina de escrever, velocípede). O escultor Israel Kislansky participa da mostra com desenhos aquarelados que ele normalmente realiza a partir da modelo posada para ser servir de referência para a criação de uma escultura, numa espécie de ritual de aproximação e conhecimento de formas e volumes.

A arquiteta, cenógrafa e ilustradora Laura Stankus, que participa no momento da Quadrienal de Cenografia de Praga, integra a mostra com uma série de obras de pequenos formatos realizadas com nanquim sobre papel na qual a figura da mulher e um toque surrealista são recorrentes. Para completar o time, Paulo Sayeg integra a mostra com uma obra poderosa, instigante e vital, na linha das que o projetaram como um dos maiores desenhistas de sua geração no Brasil.

A AVA – Al visual arts foi criada pela economista Cristina Carvalho Oliveira, empresária oriunda da área financeira, e é gerenciada por Maria Fernanda Calil Angelini. Sua abertura oficial vem reforçar a representatividade do bairro de Pinheiros no contexto cultural da cidade de São Paulo. Sediando mais de 10 galerias de arte com programação ativa, localizadas sobretudo nas ruas Mateus Grou, Virgílio de Carvalho Pinto, Arthur de Azevedo, João Moura e Ferreira de Araújo, o bairro de Pinheiros abriga ainda importantes instituições culturais da cidade tais como o Instituto Tomie Ohtake, o SESC Pinheiros e o Centro Brasileiro Britânico.

Para o crítico de arte e curador desta coletiva, Enock Sacramento, “trata-se de seis artistas com linguagens diferentes, mas com um traço em comum: a obstinação pela qualidade.” Vale conferir.

SERVIÇO:

5+1 sobre papel

Obras sobre papel

Exposição coletiva com Ale Skaff, Cassiano Reis, Fernando Ekman, Israel Kislansky, Paulo Sayeg e Laura Stankus

Curadoria: Enock Sacramento

Abertura, 2 de julho, sábado, das 11h às 17h.

Visitação de 04 de julho a 15 de agosto de 2011

AVA All visual arts

Rua Mateus Grou, 513-A, Pinheiros

Tel 11 3031.2181

www.avaonline.com.br

Assessoria de imprensa: Solange Viana | T + 11 47770234 | solange.viana@uol.com.br | http://solangeviana.blogspot.com

César Romero no Lugar Pantemporâneo

2011-06-10T15:43:00.000-03:00

A exposição de César Romero, que abriu ontem no Lugar Pantemporâneo, fica em cartaz até 15 de julho. Para quem quiser ver um pouco é só assistir este filme.

Denise Milan é destaque no Arte | Ref

2011-06-10T15:37:00.001-03:00

Com exposição "Quartzteca - a linguagem escondida das pedras" exposição individual de Denise Milan, abre amanhã, 11/06, na Galeria Virgilio. Veja matéria no ARTE | REF clicando aqui.

A linguagem das pedras, por Denise Milan

2011-06-07T11:42:00.002-03:00

DENISE MILAN apresenta

Quartzoteca | A Linguagem Escondida das Pedras

Na Galeria Virgilio

Abertura: 11 de junho, às 11h

Visitação: 11 de junho a 15 de julho

A proposta da mostra de Denise Milan, que será apresentada pela Galeria Virgilio na exposição Quartzoteca – A Linguagem Escondida das Pedras, é “um convite à decifração”, como observou o historiador e crítico de arte Jorge Coli.

A mostra individual da artista reúne 25 obras inéditas que não se permite classificar em gêneros como esculturas ou instalações, apesar de se aproximarem dessas linguagens pelo fato de serem relevos em pedras, elemento fundamental na obra da Denise Milan. Os trabalhos da artista não negam sua matéria para transformá-la em uma forma. Ao contrário, revelam a natureza dessa matéria que é a pedra. Em 2012, a mostra irá para o Chicago Cultural Center, nos Estados Unidos, com curadoria de Nathan Mason.

Na exposição, há um vídeo com depoimentos sobre o trabalho de Denise do ex-diretor do Museu do Louvre, Jean Galard, do poeta concretista Haroldo de Campos e do crítico Jorge Coli.

A busca por uma linguagem universal, contida nos minerais, e comum a todos nós, é a chave para a decifração que Denise nos instiga. “Como na época da Babilônia, quando havia uma língua comum, o quartzo, por estar presente em 90% da crosta da terra, é um mineral comum. Ao decodificar seus códigos estou criando uma linguagem comum e ao mesmo tempo universal, pois são signos que seguem as leis de evolução do nosso universo”, diz Denise Milan. “Também hoje, através de minerais, podemos nos conectar com todos os continentes, atravessar todas as fronteiras conhecidas e desconhecidas. O quartzo é ressignificado como uma língua que unifica todos os povos e raças numa única e flexível rede de humanos”.

A série Quartzografias apresenta na exposição pedras que se transformam em livros para exibir outras pedras em situações complexas, diversas, delicadas e misteriosas. “É melhor, inclusive, nem tentar explicar muito em detalhes e deixar que flua esse princípio de um mistério contido num livro de pedras, portanto que eu não posso virar as páginas e ler, mas que me convida a decifração”, diz Jorge Coli. Na mesma sala estará a série Tablets da Terra, pedras que deixaram seu rastro no bronze e, pelo aspecto fossilizado, nos remetem à origem remota do mito de fundação da linguagem quartza.

O Fóssil e Olhar Quartzideral fazem um duplo jogo com o espectador - de observador, ele passa a ser o observado. Somos nós olhando para Terra e a Terra olhando para nós, em um único movimento de integração. A união entre nós, homens culturais, e o mundo, natureza criadora, é colocada como relação indissociável. Nas palavras de Denise, “a Terra é uma grande pedra viva”.

Denise Milan também criou para exposição os Códigos Quartzos, estrutura baseada no processo de formação da pedra quartza. Assim como as palavras, a obra mostra os menores signos que constroem essa linguagem escondida. Já a Quartzoteca, biblioteca de quartzos que dá nome à exposição, surge como um arquivo vivo onde os quartzos, ao invés de recontarem sempre as mesmas histórias, se apresentam ao espectador à procura de uma nova experiência perceptiva que nos encaminhe para a linguagem, não mais tão secreta, das pedras.

Denise Milan

Denise Milan (São Paulo, 1954) é escultora e artista multidisciplinar. Uma das articuladoras do movimento de Arte Pública no Brasil, é ativista na sua difusão, em seu país e internacionalmente. Tem a pedra como o eixo de seu trabalho. Seus trabalhos já foram expostos em renomadas instituições, como a Bienal Internacional de São Paulo, Museu de Arte de São Paulo – MASP, Museu de Arte Moderna – MAM, Museu de Arte Contemporânea – MAC, Barbican Centre (Londres), Art in General (Nova York), PS1 MoMA (Nova York), EXPO 2000 (Hannover), EXPO 90 (Osaka), Hakon Open-Air Museum (Hakone-Town, Kanagawa), Contemporary Art Museum, Art Institute, Cultural Center (Chicago), Kennedy Art Center (Washington) e Galérie D’Architecture (Paris). Denise Milan também publicou diversos livros, entre os quais Cadumbra, com metapoemas de Haroldo de Campos, Améfrica, poemas de Denise Milan e textos de Olgária Matos e Greg Cameron. - www.denisemilan.art.br

SERVIÇO:

Exposição: Denise Milan - Quartzoteca | A Linguagem Escondida das Pedras

Abertura: sábado, 11 de junho, às 11h
Visitação: de 11 de junho a 15 de julho, seg a sexta, das 10 às 19h,
sábados e feriados, das 10 às 17h

Aberta ao público

Local: Galeria Virgilio

Endereço: Rua Dr. Virgilio de Carvalho Pinto, 426 Pinheiros SP

Tel. (11) 2373-2999 www.galeriavirgilio.com.br

Acesso a portadores de deficiência

Estacionamento: WR, ao lado, R$ 15,00

Assessoria de imprensa: Solange Viana

Tel. (11) 4777.0234

solange.viana@uol.com.br

Mais notícias: http://solangeviana.blogspot.com

Facebook promove encontro que resulta em exposição

2011-06-02T13:07:00.003-03:00

TENET EXPÕE DIÁLOGO SOBRE ARTE TÊXTIL CONTEMPORÂNEA

Exposição na A CASA museu do objeto brasileiro reúne obras de artistas de todo o país

Abertura: 9 de junho, quinta-feira, das 19h30 às 22h

Visitação: de 10 de junho a 8 de julho de 2011

“TENET – Tecendo na Net”, exposição que A CASA museu do objeto brasileiro abre no próximo dia 9 de junho, em São Paulo, apresenta trabalhos em arte têxtil de 50 designers, artesãos e artistas plásticos de todo o país, reunidos por meio de um reencontro proporcionado pelas redes sociais. A foto de um grupo postada no Facebook no final de 2010, despertou lembranças de mais de duas décadas e iniciou um diálogo sobre a arte têxtil contemporânea no Brasil. A imagem trazia estudantes de artes têxteis durante o evento “Tecendo na Rua”, organizado pelo designer e tecelão Renato Imbroisi em 1989.

A partir do reencontro virtual, surgiu a ideia de produzir um trabalho que expressasse a diversidade de experiências e formações do grupo, buscando retomar o mesmo entusiasmo de 1989. Novamente com a orientação de Renato Imbroisi, decidiram montar um kit com materiais de tecelagem que pudesse ser enviado aos 50 artistas reunidos pela internet, com o qual poderiam desenvolver intervenções que refletisse a leitura de cada um deles sobre o material.

O fio condutor da exposição é revelar qual o olhar contemporâneo de cada artista que esteve no evento de 1989 sobre a tecelagem, e qual o impacto da trajetória pessoal de cada um nestes 22 anos na sua relação com a arte têxtil. “Em nosso diálogo por e-mail e nas redes sociais, percebemos uma diversidade de percursos e de expressões que cada um de nós desenvolveu e que revela, de certo modo, os caminhos dessa expressão artística no Brasil nestas duas décadas”, afirma Juan Ojea, um dos articuladores do grupo.

O kit, com três bobinas de fios de diferentes espessuras, cinco novelos para bordados e três cortes de tecido, todos brancos, foi enviado para cada participante com o compromisso de que eles deveriam usar no mínimo 80% do material em suas criações. Tecelagem, pintura em tecido, estamparia e modelagem foram alguns dos suportes utilizados pelo grupo, resultando em esculturas têxteis, estampas, tapeçarias, pinturas e peças de figurino que serão exibidas na exposição.

Entre os artistas, há nomes com perfis e carreiras tão diversos quanto Eva Soban, Marina Lafer, Goya Lopes, Juan Ojea, Marta Meyer e RossanaCilento. “Os participantes formam um mosaico das influências, estilos e produções em arte têxtil em cenas como São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais e Santa Catarina”, afirma Ojea.

SERVIÇO:

TENET – Tecendo na Net

Exposição com 50 artistas

Abertura: 9 de junho, quinta-feira, às 19h30

Visitação: de 10 de junho a 8de julho

De segunda a sexta, das 10h às 19h, com entrada franca

Local: A CASA museu do objeto brasileiro

R. Cunha Gago, 807, Pinheiros

Tel. (11) 3814-9711

http://www.acasa.org.br/

Assessoria de imprensa: Solange Viana | T + 11 47770234 | solange.viana@uol.com.br | http://solangeviana.blogspot.com

Artistas participantes:

Alexandre Heberte/Baby Gras/Beth Thomé/Bia Cunha/Circe Bernardes/Cláudia Araújo/Clarice Borian/Claudia Azeredo/Cris Barreto/Cristina Sant’Anna/Cyra Lobo/Eva Soban/Eber Lopes Ferreira/Gabriela Ricca/Goya Lopes/Glaucia Amaral/Gustavo A. Serpa Rocha/Helena Carvalhosa/Helena Watanabe/HedvaMegged/Hisako Kawakami/IvoneRigobello/Jac Bara/João Vilares/Juan Ojea/Liana Bloisi/Liliam Barboza/Malu Vianna/Manuel Guglielmo/Maria Eugênia Nobre/Maria Luiza Coimbra/Maria Carmen Von Linsingen/Maria Rita Webster/Marilena Novo/Mara Doratiotto/Marina Lafer/Marta Meyer/Mayumi Ito/Mercedes Montero/MuckiSkowronski/Paola Abiko/Paula Yne/Renato Imbroisi/RossanaCilento/Rosana Ebini/Renata Meirelles/Sylvia Ribeiro de Almeida/Tânia Stahl/TherezaCorbettGarcez/TiyokoTomikawa/ZoraviaBettiol

Com apoio da KRP Relações Públicas| T + 11 3086-3550 r.212 -

Marco Gondim| T + 11 9163 8854 | marco.gondim@krpnet.com.br

Urdiduras é destaque no PANORAMA BRASIL

2011-06-01T19:07:00.000-03:00

Leia matéria publicada no PANORAMA BRASIL sobre a exposição de César Romero que será inaugurada no próxima dia 9 de junho no Lugar Pantemporâneo.
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Urdiduras de Cesar Romero é a próxima exposição

2011-05-31T17:18:00.001-03:00

“Urdiduras” exposição individual de César Romero chega ao Lugar Pantemporâneo

Abertura: 9 de junho, quinta-feira, das 19h às 22h

Visitação: de 10 de junho a 16 de julho de 2011

Considerado pela crítica nacional como um dos mais importantes coloristas brasileiros, César Romero, artista baiano, radicado em Salvador, traduz a cultura popular de forma erudita em seus trabalhos. Criador de linguagem própria, autoral, o artista é um pesquisador de formas e símbolos representativos da brasilidade.

- Urdiduras –

Desenhos de César Romero

Os desenhos de César Romero chegam a São Paulo para individual intitulada – Urdiduras – que resgatam a cultura popular brasileira através dos bordados das rendeiras do nordeste. Esta é sua estréia como desenhista, depois de mais de quatro décadas como pintor. A exposição acontece a partir do dia 09 de junho (quinta-feira), 2011 no Lugar Pantemporâneo – Av. Nove de Julho, 3.653 – Jardim Paulista e permanece até 16 de julho.

A mostra consta de 30 desenhos nas dimensões 45 x 33cms e 20 de 90 x 65 cms num total de 50. Ainda serão expostos 10 panos de bandeja originais que serviram como ponto de partida para os trabalhos e fazem parte da coleção do artista, que em 20 anos de pesquisa coletou em todos os estados nordestinos estas peças.

César Romero sempre se debruçou sobre temas brasileiros para criar sua arte. Sabedoria popular “numa interação, trazendo o popular ao plano erudito”.

Nesta mostra o principal cuidado foi com a cor.

O artista é considerado pela crítica especializada como um dos melhores coloristas do País. O tema de Urdiduras é o artesanato popular nordestino, que ele transfigura, converte e transfere a uma outra realidade: obras de arte.

O artesanato popular nordestino é uma forma de expressão cultural, com grande diversidade de matérias-primas, confeccionado com materiais e processos próprios de cada comunidade.

O produto artesanal carrega em seu bojo a identidade cultural da população que o produz. Também a preservação de memórias, inclusão social e sustentabilidade. Uma estratégia de promoção cultural e social de territórios.

A arte popular é um conjunto de atividades sensíveis e expressivas que registram o modo de ser e de viver das pessoas. É a alma do povo simples.

O artesanato popular nordestino é representativo das tradições da Região, e são incorporadas à sua vida cotidiana. Sua produção é de origem em geral familiar, que transfere conhecimentos, técnicas, processos e desenhos concebidos.

Sua importância e seu valor cultural decorrem do fato de ser depositária de um passado, de acompanhar histórias transmitidas de geração em geração, de fazer parte integrante e indissociável dos usos e costumes de um determinado grupo.

Para melhor compreensão do processo que motivou o artista César Romero, a criar Urdiduras, haverá projeção de um documentário de 25 minutos “Rendas e Bordados do Nordeste”, um CD intitulado “Canções de Bordar”, quando se escuta os cantos das bordadeiras em ação.

César Romero enfatiza “esta foi uma das minhas individuais mais bem pensadas. Senti a obrigação de revelar o processo do artesanato popular, como é feito, o produto final e as transfiguração para meu desenhos. Não faço cópias, não sou documentarista, mas me sinto um guardião dos sinais e formas visuais do povo nordestino. É uma forma amorosa, política e intencional de reverenciar, celebrar e qualificar as tradições de um povo”.

Os desenhos têm apenas duas dimensões, médios formatos e são extremamente bem cuidados. Revelam um observar atento, inteligência visual e brasilidade.

Depois da abertura, no sábado dia 11 de junho às 15 horas, haverá visita guiada pelo artista, à sua exposição.

Serviço:

Exposição individual – Urdiduras – desenhos de César Romero

Local: Lugar Pantemporâneo – Av. Nove de Julho, 3.653 – Jardim Paulista – São Paulo

Abertura: 09 de junho de 2011, das 19 às 22 horas.

Visitação:10 de junho a 16 de julho 2011 (de segunda – feira a sábado das 10 às 18hs, exceto feriado)

Assessoria de imprensa: Solange Viana – (11) 4777.0234 – solange.viana@uol.com.br – HTTP://solangeviana.blogspot.com

César Romero nasceu em Feira de Santana, Bahia, no ano de 1950. Autodidata, iniciou-se em artes plásticas em 1967.

No Brasil participou de mais de 400 coletivas e 37 individuais. No exterior, teve 50 coletivas e 8 individuais. Fez parte dos principais Salões Oficiais realizados no Brasil. Obteve 36 prêmios de pintura, 4 de fotografia, 3 Salas Especiais. Possui trabalhos em 45 museus brasileiros. Há inúmeras referências nacionais e internacionais sobre seus trabalhos em livros, dicionários, revistas e jornais. Sua fortuna crítica consta de 105 textos de especialistas em arte, brasileiros e estrangeiros.

Crítico de arte filiado à ABCA e à AICA, recebeu por duas vezes da ABCA o Prêmio Mario Pedrosa (artista de linguagem contemporânea) em 2001 e 2007. Também da ABCA, por duas vezes, o Prêmio Gonzaga Duque (crítico filiado por atuação no ano), em 2004 e 2010. Tem formação científica em medicina psiquiátrica. Vive e trabalha em Salvador, Bahia.

texto de Bruno Moreschi para (depois de) antes da queda

2011-05-16T19:25:00.000-03:00

Em lugar nenhum

por Bruno Moreschi (*)

Em 1981, aos 22 anos, após o término de um namoro, a fotógrafa norte-americana Francesca Woodman jogou-se da janela de seu apartamento. Como legado, deixou mais de 100 fotografias, a maioria até então ignorada pelos galeristas de Nova York.

Uma dessas imagens é certamente um dos mais fantásticos autoretratos já produzidos por um artista. Aos trezes anos, Francesca abusou da longa exposição da câmera e clicou a si mesma. Sentada num banco, vestia um suéter de lã com detalhes em autorelevo e segurava um pedaço de madeira, o responsável por acionar o clique da máquina. O registro foi de seu rosto inteiramente tampado por longos fios de cabelo.

Pouco anos antes de sua morte, Francesca escutou de um crítico de arte algo sobre essa imagem que lhe agradou muito. O de que esse autoretrato que se nega em expor o rosto da fotografada seja uma síntese interessante da posição dúbia que a mulher ocupa no mundo contemporâneo.

Por alguma razão, que assumo não ser capacitado em precisar, a luta por direitos e deveres iguais entre homens e mulheres desvirtuou-se para uma busca perversa entre a igualdade dos gêneros. Como se feminino fosse masculino.

Por medo de serem taxados de misóginos, poucos se atrevem a questionar essa absurda simplificação. O diretor de cinema dinamarquês Lars von Trier mostrou em seu terror Anticristo as forças telúricas que atuam sobre a mulher. E recebeu severas críticas, em grande parte curiosamente vindas da platéia feminina.

(depois de) Antes da queda possui uma coragem semelhante – com o mérito de não ter apelado para o misticismo juvenil de bruxas e lobos falantes utilizados por von Trier em sua película. A diretora e coreógrafa Juliana Moraes preferiu movimentos mais sutis e, certamente, mais complexos. Nos cenários e nos movimentos das criadoras-intérpretes Carolina Callegaro, Isabel Monteiro, Érica Tessarolo, Beatriz Sano e Flávia Scheye, estão as cadeiras, as mãos retorcidas e os fios de cabelo emaranhados tão presentes nas fotografias de Francesca Woodman.

"Trabalhamos uma dramaturgia que se constrói por repetições de imagens que vão se diferenciando de si mesmas a cada nova vez que reaparecem, através de distorções, deslocamentos e condensações. Buscamos a repetição na diferença e isso vai dando forma temporal e espacial ao trabalho. No momento, chamo isso de 'dramaturgia do inconsciente'", diz Juliana.

Ela completa que "no início, aprendemos uma a uma todas as formas do corpo da Francesca. Depois desse começo árduo, quando as poses demoravam pra chegar do cérebro para o corpo, elas acabaram por se tornar nossa segunda natureza e pudemos manipulá-las livremente, juntando duas ou três numa mesma ação e imaginando desdobramentos para além das imagens sugeridas pela artista."

A música composta por Jonas Tatit utiliza os barulhos de talheres, de móveis se arrastando e de portas se abrindo numa alusão ao apartamento quase vazio em que a fotógrafa costumava trabalhar. A fotógrafa Cris Lyra registrou os ensaios numa série de imagens branco e preto, enquanto o iluminador André Boll usa como inspiração pinturas surrealistas e renascentistas para criar a luz colorida do espetáculo, dialogando com os elegantes figurinos de Paulo Babboni. A produção é coordenada por Stella Marini. A artista plástica Marcia de Moraes assistiu a alguns ensaios do espetáculo e produziu um conjunto de desenhos de poucos e leves traços que ilustram esse material de divulgação. Como na peça, a sugestão prevalece.

O título do espetáculo é uma referência assumida dos segundos que antecederam a queda de Adão e Eva, quando essa última mordeu a maçã proibida do paraíso – e, é claro, ao instante antes de Francesca se jogar da janela. O antes de qualquer salto é um confuso instante. Não se está no chão. Nem livre no ar. Uma desordem entre a racionalidade de permanecer na segurança do plano e a instintividade de se deixar levar pela gravidade.

(*) Bruno Moreschi é jornalista especializado em artes plásticas.

Convite (depois de) antes da queda

2011-05-16T19:13:00.000-03:00

matéria para Revista Circuito - Cynthia Benini

2011-04-29T11:06:00.001-03:00

(depois de) antes da queda - no SESC Pinheiros

2011-04-27T15:35:00.001-03:00

Companhia Perdida apresenta:
(depois de) Antes da Queda

Direção Juliana Moraes

SESC Pinheiros de 10 a 26 de maio de 2011

Terças, quartas e quintas, às 21h

Aos 22 anos a fotógrafa americana Francesca Woodman se suicidou ao final de um relacionamento amoroso. Mesmo com pouca idade, Woodman deixou um legado que só agora vem sendo descoberto. Suas fotografias são marcadas por desejos, frustrações, medos e fantasias. Desde material deixado pela jovem fotógrafa surge o espetáculo (depois de) Antes da Queda, realizado pela Companhia Perdida, de dança contemporânea, que chega ao SESC Pinheiros com poucas apresentações.

(depois de) Antes da Queda é formada por um elenco exclusivamente feminino. O espetáculo, de 1h10 de duração, conta com a direção da coreógrafa Juliana Moraes.

Para Juliana, "trabalhamos uma dramaturgia que se constrói por repetições de imagens que vão se diferenciando de si mesmas a cada nova vez que reaparecem, através de distorções, deslocamentos e condensações. Buscamos a repetição na diferença e isso vai dando forma temporal e espacial ao trabalho. No momento, chamo isso de 'dramaturgia do inconsciente”. Ela completa que "no início, aprendemos uma a uma todas as formas do corpo da Francesca. Depois desse começo árduo, quando as poses demoravam a se sedimentar no corpo, elas acabaram por se tornar mais naturais e pudemos manipulá-las livremente, juntando duas ou três numa mesma ação e imaginando desdobramentos para além das imagens sugeridas pela artista."

A Companhia Perdida mergulhou em questionamentos sobre o que constitui o universo feminino, como se fosse emprestada a câmera de Francesca para ensaiar e desafiar faces tradicionalmente associadas a essa categoria.

Para o espetáculo a música foi composta por Jonas Tatit e utiliza os barulhos de talheres, de móveis se arrastando e de portas se abrindo numa alusão ao apartamento quase vazio em que a fotógrafa costumava trabalhar. O iluminador André Boll usa como inspiração pinturas surrealistas e renascentistas para criar a luz colorida do espetáculo, dialogando com os elegantes figurinos de Paulo Babboni. A artista plástica Marcia de Moraes produziu um conjunto de desenhos de poucos e leves traços que ilustram o material de divulgação.

Em texto para o espetáculo, o jornalista Bruno Moreschi ressalta que “o título é uma referência assumida dos segundos que antecederam a queda de Adão e Eva, quando essa última mordeu a maçã proibida do paraíso – e, é claro, ao instante antes de Francesca se jogar da janela. O antes de qualquer salto é um confuso instante. Não se está no chão. Nem livre no ar. Uma desordem entre a racionalidade de permanecer na segurança do plano e a instintividade de se deixar levar pela gravidade”, conclui.

A Companhia Perdida

Foi criada pela bailarina e coreógrafa Juliana Moraes na intenção de abrir um espaço para incursões de trabalho em grupo. Anteriormente, a artista havia se consolidado na criação de solos e duetos. No momento, integram o grupo as criadoras-interpretes Carolina Callegaro, Isabel Monteiro, Érica Tessarolo, Beatriz Sano e Flávia Scheye. A produção é coordenada por César Ramos.

Um pouco de Francesca Woodman

Francesca Woodman nasceu em 1958 em Denver, Colorado, numa família de artistas. Estudou na Rhode Island School of Design, em Providence, entre 1975 e 1979. Entre 1977 e 1978 passou um ano de intercâmbio em Roma, onde costumava freqüentar a galeria-livraria Maldoror, especializada em Surrealismo e Futurismo. Foi lá, no porão da Maldoror, que Francesca fez sua primeira exposição.

De volta aos EUA, mudou-se para Nova York. Em janeiro de 1981 foi lançado “Some Disordered Interior Geometry”, único livro de seu trabalho publicado em vida. No dia 19 desse mesmo mês ela se jogou da janela de seu loft no East Village. Francesca começou a fotografar aos 13 anos de idade e continuou até sua morte prematura, aos 22. Em suas imagens o corpo, geralmente feminino, coloca-se em processo de apagamento. Como ela mesma disse: “I show you what you do not see – the inner force of the body.” Para Philippe Sollers, que escreveu um dos capítulos de um belo livro sobre a artista, Francesca pode ser comparada a uma feiticeira (sorceress), um anjo provocador e irônico, que “não mostra piedade para o que é deformado, monstruoso ou doente”. Como uma jovem e bela feiticeira, Woodman atravessa o espelho (objeto recorrente em seus trabalhos), brinca de esconde-esconde com a câmera, transforma um homem em coelho, ﬂerta com a morte ao esconder um peixe morto entre as pernas ou usar uma pequena raposa como colar. Ela é inteligente, faceira, má, criança, mulher e velha ao mesmo tempo. Seu corpo nu é de uma nudez insuportavelmente profunda.

SERVIÇO:

(Depois de) Antes da Queda

Espetáculo de dança com Companhia Perdida

De 10 a 26 de maio de 2011

Terças, quartas e quintas, às 21h

Ingresso R$ 7,50; 3,50 e 1,75

60 lugares

SESC Pinheiros – Rua Paes Leme, 195 – 2º and. 30 min. de antecedência

Pinheiros – tel (11) 3095.9400

Assessoria de imprensa: Solange Viana

tel (11) 4777.0234 - solange.viana@uol.com.br

Mais notícias no Blog: http://solangeviana.blogspot.com

Ficha técnica

Concepção, direção e criação: Juliana Moraes

Criação e interpretação: Carolina Callegaro, Isabel Monteiro, Maristela Estrela*, Érica Tessarolo, Beatriz Sano e Flávia Scheye.

Trilha sonora: Jonas Tatit

Figurinos: Paulo Babboni

Projeto de luz: André Boll

Cenário: Marcia de Moraes, Stella Marini e Juliana Moraes

Técnico de luz e som: Thiago dos Santos

Projeto visual: Marcia de Moraes

Fotos: Cris Lyra

website: Gustavo Sol

Produção: César Ramos

*agradecemos pelo trabalho no processo de criação

Para saber mais:

web.me.com/companhia.perdida

contato@companhiaperdida.com.br

Veja matéria Jóias Contemporâneas

2011-04-07T11:35:00.001-03:00

Matéria realizada por Mona Dorf para Ig. Jóias Contemporânea que acontece até 3 de junho de 2011 na A CASA museu do objeto brasileiro.
Produção Ana Paula Ziglio.
Assista o vídeo e vá visitar a exposição.

Jóia Contemporânea Brasileira no museu

2011-02-24T13:08:00.000-03:00

A CASA museu do objeto brasileiro apresenta:

Exposição Jóia Contemporânea Brasileira

Curadoria: Miriam Mirna Korolkovas

Abertura: 6 de abril, quarta-feira, 19h30

Visitação: de 7 de abril a 3de junho de 2011

A jóia possui como suporte o corpo humano. E é isso que a partir de 6 de abril A CASA museu do objeto brasileiro pretende mostrar com as obras realizadas por 12 artistas que farão parte da exposição Jóia Contemporânea Brasileira que permanece até 3 de junho, com curadoria da artista, Miriam Mirna Korolkovas.

A CASA museu do objeto brasileiro acolhe a joalheria, como expressão artística de nosso povo, seja ele graduado nas academias ou não, abarcando todos que trabalham com a tridimensionalidade numa escala confortável que se adéqua ao corpo humano, incluindo as cooperativas de artesãos e os índios. Agregará também outras atividades artísticas: música, dança, artes visuais e áudio visual.

Cada etnia que habitou e que habita este planeta já produziu uma jóia. Os artistas desta mostra não possuem preconceito quanto ao uso de materiais que não seja o ouro ou a prata. Usam todos eles, inclusive os descartáveis como, por exemplo, a Mana Bernardes que usa em sua produção garrafas PET. O ouro assim como o ferro, a madeira, a fibra de buriti, são produtos da terra e interdependentes num sistema equilibrado. Diante da diversidade de materiais a jóia como expressão artística não se prende ao que é entendido como luxo pelos consumidores vorazes. A jóia produzida pelo artista não se prende à matéria que se entende como sendo nobre por alguns.

É um pouco disso que o visitante irá encontrar nesta mostra. Para Miriam Mirna: “A CASA Museu do Objeto Brasileiro está nos proporcionando gritar e mostrar o que existe aqui nesse País de tão belo e rico. É mesmo cansativo nadar contra a maré. Estamos participando de um momento histórico, de coragem em apresentar para todos o nosso trabalho que se manteve escondido”, completa.

A intenção da exposição jóia contemporânea brasileira é mostrar a jóia de hoje, que é confeccionada e construída com desenho pensado, inventado. É projetada, contem idéias. As jóias contemporâneas não se apegam ao material mais caro, como o ouro. Todos os materiais são preciosos, são da terra.

A jóia contemporânea carrega a pesquisa de formas, de material, de intenção. Ela não acontece por acaso, ela tem projeto e é isso que o visitante encontrará no museu A CASA.

Fotos ilustração release: 1. Bettina Terepins – 2. Mirla Fernandes - 3. anéis

SERVIÇO:
JÓIA CONTEMPORÂNEA BRASILEIRA
Abertura: 6 de abril, quarta-feira, 19h30
Visitação: de 7 de abril a 3 de junho de 2011
12 artistas artesãos com 36 peças no total
Local: A CASA museu do objeto brasileiro
Rua Cunha Gago, 814 – tel 3814.9711
acasa@acasa.org.br – http://www.acasa.org.br/
De seg a sexta das 10h às 19h
Entrada Franca

Assessoria de imprensa: Solange Viana
Tel 11 4777.0234 – solange.viana@uol.com.br
Mais informações: http://solangeviana.blogspot.com/

Ficha Técnica
Direção geral: Renata Mellão
Curadoria, cenografia e coreografia: Miriam Mirna Korolkovas
Coordenação: Cláudia Vendramini e Jaine Silva
Produção: Jaine Silva
Assistência de produção e divulgação: Daniel Casquel de Tomasi
Assistência de curadoria: Roberta Nese
Artistas: Aglaize Damasceno, Alice Ursini, André Lasmar, Audrey Girotto, Bettina Terepins, Carolina Pedroso, Cooperativa Lã Pura, Gabriela de Rolt, Henna Lee, Krahôs, Mana Bernades e Mirla Fernandes

Ensaio musical: Julia Pedron Peres (Flauta transversal) | Micaela Marcondes (Violino)
Ensaio corporal: Larissa Korolkovas Buitron
Música : Choro do Rio de Caito Marcondes, Chovendo na Roseira de Tom Jobim com arranjo de Daniel Amorim e Sons de Carrilhões de João Teixeira Guimarães com arranjo de Daniel Amorin
Figurino : Flavia Aranha
Projeto gráfico : Ana Paula Prado
Fotografia : Tomas Kolisch Jr.
Áudio visual : Carlos Iglesias e Lina Lopes
Secretaria : Cleide Lopes
Manutenção e montagem: Alex Belarmino e José Mendes de Araújo
Apoio: Flávia Aranha
Realização : A CASA museu do objeto brasileiro

Eólices em vídeo

2011-02-17T13:34:00.000-02:00

Assista ao vídeo do experimento ambiental que acontece no Parque Ibirapuera, EÓLICES, por Renata Mellão.

Louça Morena é destaque em várias mídias

2011-02-10T19:01:00.002-02:00

Leia alguns destaques:

Um vídeo no UOL

Agenda Cesar Giobbi

No Agenda 29horas - SP - veja aqui.

No Tudo Oeste.

Na Babel das Artes.

Louça Morena do Povoado de Poxica

2011-02-10T18:57:00.001-02:00

É destaque no Portal Terra. Clique aqui para ler a matéria.

Louça Morena do Povoado de Poxica - Cerâmica

De 17/12 a 18/03 - Seg, Ter, Qua, Qui e Sex
Horário: das 10h às 19h

A Casa - Museu do Objeto Brasileiro
Rua Cunha Gago - 807 - Pinheiros - Fone: 3814 9711

A exposição, que integra o Projeto Sala do Artista Popular, apresenta objetos de louça que fazem parte da história de Poxica, localizada no município de Itabaianinha, em Sergipe.

No DCI

2011-02-10T13:49:00.000-02:00

Mais uma: Revista 7 dias com você

2011-02-10T13:34:00.001-02:00

Outras Perspectivas no Estadão, por Valéria França

2011-02-10T13:31:00.000-02:00

A CASA é destaque no Blog da Mona Dorf

2011-02-07T20:27:00.003-02:00

A exposição de obras de Louça morena do povoado de Poxica, uma das mais importantes regiões brasileiras de tradição popular na produção e comercialização de louças de barro, localizada no município de Itabaianinha, em Sergipe, que fica até 18 de março na A CASA museu do objeto brasileiro, é destaque no Blog da Mona Dorf, no Ig.

É só clicar aqui para ler a matéria.

Veja quem foi ao vernissage

2011-02-03T19:10:00.003-02:00

Exposição "outras perspectivas"
Em dia ensolarado, ao som do badalado DJ Felipe Venâncio, a TexPrima brindou seus convidados com um brunch delicioso e muito prosseco!
Veja quem passsou por lá.

Fotos Juan Guerra

Os artistas e suas obras especialmente realizadas para o espaço da fábrica

Julia Kater

Fernando Limberger

Rosângela Dorazio

Laura Gorski

detalhe obra de Estela Sokol

A exposição segue até 27 de fevereiro no Espaço TexPrima - Rua Carandai, 597 - Casa Verde - de seg a sexta das 10h às 18h - domingos das 10h às 16h - Entrada Franca

Leia no Diário do Grande ABC

2011-01-28T18:02:00.001-02:00

Eólices - experimento de Renata Mellão

2011-01-27T17:08:00.001-02:00

Acontece no Parque Ibirapuera, próximo ao Portão 07, até meados de março/2011.

Visite. Eólices - experimento ambiental criado por Renata Mellão

Marta Machado em entrevista ao Zoom

2011-01-27T16:49:00.004-02:00

"Tudo o que vc gostaria de saber sobre comercialização..." e-book realizado pela produtora Marta Machado é destaque no Programa Zoom da TV Cultura. É só clicar aqui para assistir a matéria.

Convite Tex Prima

2011-01-27T13:52:00.000-02:00

Exposição "Outras Perspectivas" em festa

2011-01-27T13:20:00.001-02:00

TexPrima, empresa que atua na área têxtil há mais de 20 anos, hoje considerada uma das melhores opções no ramo de tecidos, agregando trabalho de criação e pesquisa de tendências no segmento da moda, realiza festa/vernissage da exposição OUTRAS PERSPECTIVAS.

Será no domingo, 30/01, das 11h às 15h, um brunch com o DJ Felipe Venâncio. Venha participar.
Confirmações com Solange Viana - solange.viana@uol.com.br ou pelo tel (11) 4777.0234.

Outras Perspectivas é uma exposição coletiva com os artistas: Estela Sokol, Fernando Limberger, Julia Kater, Laura Gorski e Rosângela Dorazio. A curadoria é de Teresa Berlinck.

Vale conferir! É grátis. Até 27 de fevereiro de 2011. Rua Carandaí, 597. Casa Verde.

Saiu no ClubeOnline

2011-01-10T20:10:00.002-02:00

Muito legal a exposição "outras perspectivas" ter saído no CLUBE ONLINE, dirigido pela competente Laís Prado, é um dos sites mais visitados e comentados no meio da comunicação & marketing.
Vale conferir é só clicar aqui!

Leia tb no Diário do Grande ABC

2011-01-10T16:35:00.001-02:00

"Outras Perspectivas" saiu no DIÁRIO DO GRANDE ABC, principal jornal que circula no ABC Paulista. Saiu em 09/01/11, domingo, dia de maior circulação do jornal.
Leia aqui!

"Outras Perspectivas" é destaque no Arte Ref

2011-01-10T16:29:00.001-02:00

Exposição Coletiva com os artistas: Estela Sokol, Fernando Limberger, Julia Kater, Laura Gorski e Rosângela Dorazio com curadoria de Teresa Berlinck. aqui!

Convite

2011-01-05T19:43:00.000-02:00

Veja tb no BLOG Cozinha Cultural